La musica è una parte significativa della cultura mondiale, senza di essa il nostro mondo sarebbe molto più povero. La cultura musicale è un mezzo di formazione della personalità, educa la percezione estetica del mondo in una persona, aiuta a conoscere il mondo attraverso le emozioni e le associazioni con i suoni. Si ritiene che la musica sviluppi l'udito e il pensiero astratto. La comprensione dell'armonia sonora fa bene alla musica come fare matematica. Ti parleremo della formazione e dello sviluppo della cultura musicale e del perché le persone hanno bisogno di questa arte.
Il concetto
La musica gioca un ruolo speciale nella vita umana, fin dai tempi antichi, i suoni hanno affascinato le persone, le hanno portate in trance, hanno contribuito a esprimere le emozioni e sviluppare l'immaginazione. I saggi chiamano la musica uno specchio dell'anima; è una forma di cognizione emotiva del mondo. Pertanto, la cultura musicale inizia a formarsi all'alba dell'emergere dell'umanità. Accompagna la nostra civiltà fin dall'inizio. Oggi, il termine "cultura musicale" è inteso come la totalità dei valori musicali, il sistema del loro funzionamento nella società e le modalità della loro riproduzione.
Nel discorso, questo termine è usato insieme a sinonimi come musica o arte musicale. Per un individuo, la cultura musicale è parte integrante dell'educazione estetica generale. Forma il gusto di una persona, la sua cultura interiore, individuale. La conoscenza di questa forma d'arte ha un effetto trasformativo sulla personalità di una persona. Pertanto, è così importante padroneggiare la musica fin dall'infanzia, imparare a capirla e percepirla.
I teorici ritengono che la cultura musicale sia un complesso complesso, che include la capacità di navigare gli stili, i generi e le direzioni di questa forma d'arte, la conoscenza della teoria e l'estetica della musica, il gusto, la reattività emotiva alle melodie e la capacità di estrarre contenuti semantici dal suono. Anche in questo complesso può includere capacità di esibizione e scrittura. Il famoso filosofo e teorico dell'arte M.S. Kagan credeva che la cultura musicale potesse essere distinta da una dimensione individuale, cioè il livello di una persona, le sue conoscenze, abilità nel campo di questa arte, così come il livello di gruppo, che è legato a determinate sottoculture e fasce di età della società. In quest'ultimo caso, lo scienziato parla dell'educazione musicale e dello sviluppo dei bambini.
Funzionalità musicali
Un fenomeno artistico così complesso e importante, come la musica, è estremamente necessario sia per una persona individuale sia per la società nel suo insieme. Questa arte svolge una serie di funzioni sociali e psicologiche:
1. Formativo. La musica è coinvolta nello sviluppo della personalità umana. La formazione della cultura musicale di un individuo influisce sul suo sviluppo, gusto e socializzazione.
2. Cognitivo. Attraverso i suoni, le persone trasmettono sensazioni, immagini, emozioni. La musica è una specie di riflesso del mondo.
3. Educativo. Come ogni arte, la musica è in grado di modellare determinate qualità puramente umane nelle persone. Non invano esiste un punto di vista che la capacità di ascoltare e creare musica distingue una persona da un animale.
4. Mobilitare e redigere. La musica può stimolare una persona all'azione. Non è inutile che ci siano melodie in marcia, canzoni di lavoro che migliorano le attività delle persone e le decorano.
5. Estetica. Tuttavia, la funzione più importante dell'arte è la capacità di dare piacere a una persona. La musica regala emozioni, riempie la vita delle persone di contenuto spirituale e porta pura gioia.
La struttura della cultura musicale
Come fenomeno sociale e parte dell'arte, la musica è una formazione complessa. In senso lato, nella sua struttura ci sono:
1. Valori musicali prodotti e trasmessi nella società. Questa è la base della cultura musicale, che garantisce la continuità delle epoche storiche. I valori ci consentono di comprendere l'essenza del mondo e della società; sono spirituali e materiali e sono realizzati sotto forma di immagini musicali.
2. Diversi tipi di attività per la produzione, la conservazione, la trasmissione, la riproduzione, la percezione di valori e opere musicali.
3. Istituzioni sociali e istituzioni coinvolte in vari tipi di attività musicale.
4. Individui coinvolti nella creazione, distribuzione, esecuzione di musica.
In una comprensione più ristretta del compositore D. Kabalevsky, la cultura musicale è sinonimo del termine "alfabetizzazione musicale". Secondo il musicista, si manifesta nella capacità di percepire immagini musicali, decodificarne i contenuti e distinguere le melodie buone da quelle cattive.
In un'altra interpretazione, il fenomeno oggetto di studio è inteso come una certa proprietà generale di una persona, espressa nell'educazione musicale e nello sviluppo musicale. Una persona deve possedere una certa erudizione, conoscere un certo insieme di opere classiche che formano il suo gusto e le sue preferenze estetiche.
Musica antica del mondo
La storia della cultura musicale inizia nei tempi antichi. Sfortunatamente, fin dalle prime civiltà non ci sono prove della loro musica. Sebbene sia ovvio che l'accompagnamento musicale di rituali e rituali esistesse sin dalle prime fasi dell'esistenza della società umana. Gli scienziati affermano che la musica esiste da almeno 50 mila anni. La prova documentale dell'esistenza di questa arte appare dai tempi dell'antico Egitto. Già a quel tempo esisteva un vasto sistema di professioni e strumenti musicali. Melodie e ritmi hanno accompagnato molti tipi di attività umana. Al momento, è apparsa una forma scritta di registrazione della musica, che ci consente di giudicare il suo suono. Di epoche precedenti, sono rimaste solo immagini e resti di strumenti musicali. Nell'antico Egitto, c'era musica sacra che accompagnava il culto, oltre ad accompagnare le persone nel lavoro e nel riposo. Durante questo periodo, appare per la prima volta l'ascolto di musica per scopi estetici.
Nella cultura dell'antica Grecia, la musica raggiunge il suo massimo sviluppo per questo periodo storico. Compaiono vari generi, gli strumenti sono migliorati, sebbene l'arte vocale prevale in questo momento, vengono creati trattati filosofici che concettualizzano l'essenza e lo scopo della musica. In Grecia, un teatro musicale appare per la prima volta come un tipo speciale di arte sintetica. I Greci ben capirono il potere dell'influenza della musica, la sua funzione educativa, quindi, tutti i cittadini liberi del paese erano impegnati in questa arte.
La musica del Medioevo
L'istituzione del cristianesimo in Europa ha influenzato in modo significativo le caratteristiche della cultura musicale. Appare un enorme strato di opere al servizio dell'istituto di religione. Questa eredità si chiama musica sacra. Quasi ogni cattedrale cattolica ha organi, c'è un coro in ogni tempio, il che rende la musica una parte del servizio quotidiano di Dio. Ma a differenza della musica sacra, si forma una cultura della musica popolare, in esso è il principio del carnevale di cui M. Bakhtin ha scritto. Nel tardo Medioevo si formò musica secolare professionale, creata e distribuita dai trovatori. Aristocrazia e cavalieri diventano clienti e consumatori di musica, mentre né la chiesa né l'arte popolare si adattavano a loro. Quindi c'è musica che delizia l'udito e intrattiene le persone.
Musica rinascimentale
Con il superamento dell'influenza della chiesa su tutti gli aspetti della vita, portano all'inizio di una nuova era. Gli ideali di questo periodo sono esempi antichi, e quindi l'epoca è chiamata Rinascimento. In questo momento, la storia della cultura musicale inizia a svilupparsi principalmente nella direzione secolare. Durante il Rinascimento, apparvero nuovi generi come madrigale, polifonia corale, chanson e corale. Durante questo periodo, si formarono culture musicali nazionali. I ricercatori parlano dell'emergere della musica italiana, germanica, francese e persino olandese. Anche il sistema di utensili in questo periodo storico sta subendo delle modifiche. Se prima l'organo era quello principale, ora le corde sono più avanti, compaiono diversi tipi di violini. Anche il genere delle tastiere si arricchì significativamente di nuovi strumenti: clavicordi, clavicembalo e qualcosa che iniziò a conquistare l'amore di compositori e artisti.
Musica barocca
Durante questo periodo, la musica assume un suono filosofico, diventa una forma speciale di metafisica e la melodia assume un significato speciale. Questa volta di grandi compositori, durante questo periodo hanno creato A. Vivaldi, I. Bach, G. Handel, T. Albinoni. L'era barocca fu segnata dall'emergere di arte come l'opera, anche in questo momento furono creati per la prima volta oratori, cantate, toccate, fughe, sonate e suite. Questo è un momento di scoperta, la complicazione delle forme musicali. Tuttavia, nello stesso periodo c'è una crescente divisione dell'arte in alto e in basso. La cultura della musica popolare è separata e non consentita in quella che verrà chiamata musica classica nella prossima era.
Musica del classicismo
Il barocco lussureggiante ed eccessivo lascia il posto al classicismo rigoroso e semplice. Durante questo periodo, l'arte della cultura musicale è finalmente divisa in generi alti e bassi, i canoni sono stabiliti per i generi principali. La musica classica è diventata l'arte di saloni, aristocratici, non solo dà piacere estetico, ma intrattiene anche il pubblico. Questa musica ha la sua nuova capitale: Vienna. Questo periodo fu caratterizzato dall'apparizione di geni come Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Joseph Haydn. Nell'era del classicismo, il sistema di genere della musica classica è finalmente formato, come forme come un concerto, una sinfonia appare e una sonata viene riformata.
Alla fine del 18 ° secolo, uno stile di romanticismo si formò nella musica classica. È rappresentato da compositori come F. Schubert, N. Paganini, in seguito il romanticismo è stato arricchito dai nomi di F. Chopin, F. Mendelssohn, F. Liszt, G. Mahler, R. Strauss. Nella musica, i testi, la melodia e il ritmo iniziano ad essere apprezzati. Durante questo periodo, furono formate scuole nazionali di compositori.
La fine del 19 ° secolo fu segnata da sentimenti anticlassici nell'arte. Compaiono impressionismo, espressionismo, neoclassicismo, dodecafonia. Il mondo è sull'orlo di una nuova era, e questo si riflette nell'arte.
Musica del 20 ° secolo
Il nuovo secolo inizia con stati d'animo di protesta, anche la musica sta subendo cambiamenti rivoluzionari. Dopo la prima guerra mondiale, i compositori cercano ispirazione in passato, ma vogliono dare alle vecchie forme un nuovo suono. Inizia il tempo degli esperimenti, la musica diventa molto varia. L'arte classica è associata a grandi compositori come Stravinsky, Shostakovich, Bernstein, Glass, Rachmaninov. Appaiono i concetti di atonalità e aleatoria, che cambiano completamente l'idea di armonia e melodia. Durante questo periodo, i processi democratici nella cultura musicale stanno crescendo. C'è pop e cattura l'attenzione del grande pubblico, poi c'è un movimento musicale di protesta come il rock. Così, si forma una cultura musicale moderna, caratterizzata da una moltitudine di stili e direzioni, una miscela di generi.
Lo stato attuale della cultura musicale
Alla fine del 20 ° - inizio del 21 ° secolo, la musica sta attraversando una fase di commercializzazione, diventa un prodotto ampiamente distribuito e questo ne riduce notevolmente la qualità. Durante questo periodo, le capacità degli strumenti si espandono in modo significativo, la musica elettronica e gli strumenti digitali appaiono con risorse espressive senza precedenti. La musica accademica è dominata dall'eclettismo e dal polistilismo. La cultura musicale moderna è un'enorme trapunta patchwork, in cui trovano il loro posto e le loro avanguardie, il rock, il jazz, le tendenze neoclassiche e l'arte sperimentale.
Storia della musica popolare russa
Le origini della musica nazionale russa vanno ricercate ai tempi dell'antica Russia. Si possono giudicare le tendenze di quel periodo solo da informazioni frammentarie provenienti da fonti scritte. A quei tempi, la musica rituale e quotidiana era molto diffusa. Sin dai tempi antichi, c'erano musicisti professionisti sotto lo zar, ma il significato delle opere folcloristiche era molto grande. Il popolo russo amava e sapeva cantare, il genere di canzoni domestiche era il più popolare. Con l'avvento del cristianesimo, la cultura musicale russa si arricchì di arte spirituale. Il canto corale della Chiesa appare come un nuovo genere vocale. Tuttavia, per molti secoli, il canto unanime tradizionale ha dominato in Russia. Solo nel 17 ° secolo prese forma la tradizione nazionale della polifonia. Da quel momento, la musica europea è arrivata in Russia, con i suoi generi e strumenti, e inizia la differenziazione in musica folk e accademica.
Tuttavia, la musica popolare in Russia non ha mai rinunciato alle sue posizioni, è diventata una fonte di ispirazione per i compositori russi ed era molto popolare tra la gente comune e l'aristocrazia. Puoi vedere che molti compositori classici si sono rivolti al bagaglio musicale popolare. Quindi, M. Glinka, N. Rimsky-Korsakov, A. Dargomyzhsky, I. Tchaikovsky hanno ampiamente usato motivi folcloristici nelle loro opere. Nel periodo sovietico, la musica folkloristica era ampiamente richiesta a livello statale. Dopo il crollo dell'URSS, la musica folcloristica cessò di servire l'ideologia, ma non scomparve, ma prese il suo segmento nella cultura musicale generale del paese.
Musica classica russa
A causa del fatto che l'Ortodossia ha da tempo vietato lo sviluppo della musica secolare, l'arte accademica si sta sviluppando in Russia abbastanza tardi. A partire da Ivan il Terribile, i musicisti europei vivevano alla corte reale, ma non c'erano ancora compositori. Solo nel 18 ° secolo la scuola di compositore russo iniziò a prendere forma. Tuttavia, per molto tempo, i musicisti furono influenzati dall'arte europea. Una nuova era della cultura musicale in Russia inizia con Mikhail Glinka, che è considerato il primo compositore russo. Fu lui a gettare le basi della musica russa, che trasse temi e mezzi espressivi dall'arte popolare. Questa è diventata una caratteristica specifica nazionale della musica russa. Come in tutte le sfere della vita, la musica ha sviluppato la direzione degli occidentali e degli slavi. Il primo includeva N. Rubinstein, A. Glazunov, il secondo - compositori di The Mighty Handful. Tuttavia, alla fine, l'idea nazionale ha vinto e tutti i compositori russi a vari livelli, ma hanno motivi folcloristici.
Il culmine del periodo pre-rivoluzionario della musica russa è considerato il lavoro di P.I Ciajkovskij. All'inizio del 20 ° secolo, i cambiamenti rivoluzionari si riflettevano nella cultura musicale. I compositori sperimentano forme e mezzi espressivi.
La terza ondata di musica accademica russa è associata ai nomi di I. Stravinsky, D. Shostakovich, S. Prokofiev, A. Scriabin. Il periodo sovietico era più un periodo per artisti, non per compositori. Anche se i creatori eccezionali apparvero in questo momento: A. Schnittke, S. Gubaidulina. Dopo il crollo dell'Unione Sovietica, la musica accademica in Russia è andata quasi completamente in scena.
Musica popolare
Tuttavia, la cultura musicale non consiste solo di musica folk e accademica. Nel XX secolo, la musica popolare occupa un posto pieno nell'arte, in particolare jazz, rock and roll e musica pop. Tradizionalmente, queste direzioni sono considerate "basse" rispetto alla musica classica. La musica popolare appare con la formazione della cultura popolare ed è progettata per soddisfare le esigenze estetiche delle masse. La pop art oggi è strettamente intrecciata con il concetto di spettacolo, questa non è proprio arte, ma industria. Questo tipo di produzione musicale non svolge la funzione educativa e formativa inerente all'arte; questo è precisamente ciò che offre ai teorici l'opportunità di ignorare la musica pop quando si considera la storia della cultura musicale.
